© Yoon Kalim

Transformation of objects, and the contact area of empathy

오브제의 변형, 감정이입의 접촉 면적

The three-dimensional artworks of Yoon Ka-lim (born 1980) between the years 2007 ~ 2010 were mainly made of wood, and they are like speechless minimalist sculptures that are easily explained through a single type of work. It also seems that her works of that period have graceful figures overall. But, if one pays attention to the artist's note on the artwork or really carefully observes her works, then one begins to notice the meaning behind the contact between a body part and the object of the artwork. It seems the object is using contact as a medium in completing the meaning of the work. The following artworks are all in such connection with the meaning and contact such as Tables for Confrontation(2009) which can only be completely understood when the viewer props both elbows on the bottom of the artwork, A Corner for the Concerned Person (2010) where one can understand the awkward joke through associating the position of a cornered person, and Love Sea (2007) which has a recessed shape of a butt as if designed to seat a couple facing away from each other.

However, participation of audience, commonly seen in artworks, doesn't seem to be the premise for these wooden objects imitating furniture and appliances. Although the artist herself can be seen sitting or propping her elbows on the artwork in the pictures of the catalog, it seems the pictures are just inducing supposition through visually showing the situation of contact between the artwork and body. Or, the artworks seemed to be for only very sensitive and few number of people who can easily infer the relationship among the artworks that resemble furniture and appliances within their daily experiences. For example, Boot and Saddle(2009) is surely not intended for the audience to actually climb up on the two saddles for a direct experience. The saddle that connects the rider's body to the base of the machine is the axis and part of the bicycle that has the most contact between the body and machine. However, in the artwork, the two saddles are aiming in a complete opposite direction as they are tightly fastened to the cold stainless steel, so the role of the sculpted wooden saddles have been changed to a subject of elegant viewing rather than strengthening the dynamics of the overall artwork. This kind of aesthetic background of the artist was revealed early immediately after Yoon Ka-lim's graduation. The artwork, The Chair for Masturbation(2004), has changed a part of the chair, enough to be unnoticed by most people, and the unusual experience made by contact of the body with the chair designed for sitting has become the foundation of the artwork's idea. Therefore, only a small number of people who can infer the psychological effect created by this physical contact or who've had actually experienced it can understand the creative background of the artwork.

There is also series artwork Wildlife Picturesque(2008 ~ 2009) which is a reprocessed artwork of handed down ready-made antiques, Sealed Collection(2007) which is an artwork of ready-made antique furniture sealed with latex, and series of recreated wooden artworks of daily objects that didn't utilize ready-made objects. If one closely observe all these works comprehensively, than it would appear that Yoon Ka-lim is aesthetically following in the footsteps of Marcel Duchamp (1887 ~ 1968). However, the standard of the artists selection in the ready-made objects are considered as the objects of the history that have been handed down through anonymity. The artist is also involved in the anonymity's hidden history and this fact takes up a large portion of the artwork. In this sense, this artwork is on a different path than the rational approach of the past ready-made aesthetics. In addition, while the past ready-mades advocate temporary aspect by blatantly claiming to support anti-aesthetics, part of the page from a worn out antique book <Natural History> is changed to again leave traces of the artist, and the changed history of the antique book continues on.

As one can observe with the early work Cat Cut(2005), the aspect of temporarily extending the life of the used up knife through formative recycling is following the tradition of Junk Art. The intervention by leaving an added comment of the artist for the ready-made is like the logic of the post-work. That is, it is like post-work in the sense of re-configuring the story which results from the artist’s intervention. The whole picture of the artwork Sweet Words(2008) is about editing a new story using randomly chosen sentences from Emily Dickinson's (1830-1886) poem 『Ready-made』.

There must be a use for the ready-mades in the work process of Yoon Ka-lim, but the ready-mades existence in her artworks are powerless. Thus, there is a subject within her artworks and yet it’s non-existent. The absence of the subject is continuously transforming the storytelling dependent on the memory (experience of the person). The purpose becomes limited or the understanding method of the transformed object becomes limited to the small number of people who are able to closely empathize with the changed object. In this light the chronological list of the objects in Yoon Ka-lim's works strengthens the solidarity among members with sensitive understanding.

Ban Yi Jeong (Art Critic)

2007~2010년 사이 주로 목재로 제작된 윤가림(1980년생)의 입체 작업들은 마치 단품 하나로 정리되는 말없는 미니멀리즘 조각을 닮았다. 그 시기의 작업 모두가 단아한 자태로 정리 종합되는 것 같다. 하지만 당시 작업에 관한 작가의 노트를 참조하거나, 다만 작품을 성심껏 응시한다면 인체의 일부와 사물로서의 작품 사이의 접촉이 차지하는 의미에 주시하게 된다. 사물은 접촉을 매개로 의미를 완성하는 것 같다. 양 팔꿈치를 작품 바닥 면에 괼 때 취지가 온전히 파악되는 <Tables for confrontation>(2009)이나, 구석으로 몰린 자의 처지를 연상할 때 썰렁한 유머를 느끼는 <A corner for the cornered person>(2010)이나, 커플을 반대방향으로 나란히 앉히게 설계된 듯 엉덩이 모양으로 패인 <Love seat>(2007)따위가 모두 그렇다.

그렇지만 가구나 집기를 본뜬 이들 목조물에 그 흔한 관객 참여가 전제된 것 같진 않다. 관련 도록에 수록된 사진을 보면 작가가 직접 작품 위에 앉거나 팔꿈치를 괸 모습 따위를 수록하곤 있지만, 다만 작품과 인체가 접촉하는 상황을 육안으로 보고 가정하도록 유도하는 것 같았다. 또는 그런 일상적 경험에서 가구나 집기를 닮은 작품 사이의 밀접한 관계를 능히 유추할 수 있는 예민한 제한된 수의 사람을 고려한 작품처럼 보였다. 가령 <Boot and Saddle>(2009)이 설마 두개의 안장 위에 올라앉아 체험토록 고안된 건 아닐 테다. 주행자의 인체와 자전거의 기체(機體) 사이를 잇는 안장은 무게 축이자 인체와 기체 간의 밀착도가 가장 높은 자전거 부품이다. 그런데 작품에선 정반대 방향을 지향하는 안장 두개가 차가운 스테인리스스틸에 붙박여 꼼짝달싹 못하는 처지여서, 나무로 조각된 안장은 작품 전체의 역동성을 살리는 무엇이 아닌 하나의 단아한 응시 대상으로 용도 변경된 상태다. 이런 미학적 이력은 윤가림에게 일찍이 학부 졸업 직후 발현된 것으로 보인다. <The chair for masturbation>(2004)은 쉽게 눈치 채지 못할 만큼 의자의 일부를 변형시켰는데, 착석을 위해 설계된 의자의 보편 구조로부터 인체 접촉면이 만들어 낼 수 있는 비일반적 체험이 발상의 토대가 되었다. 따라서 물리적 접촉이 만드는 심리적 효과를 유추하거나 경험한 소수만이 이 작품의 제작 배경을 이해할 수 있다.

전수되어 내려온 골동적 기성품을 재가공한 연작 <Wildlife picturesque>(2008~2009)이나 기성 골동 가구를 라텍스로 봉인한 <Sealed Collection>(2007), 비록 기성품이 동원되진 않았지만 일상품을 고스란히 재현한 일련의 목조물들까지 살피면 윤가림은 뒤샹을 미학적으로 계승하는 것처럼 읽힌다. 그렇지만 작가가 기성품을 선정한 기준점은 익명의 손을 거쳐 전승된 깊은 역사의 오브제에 찍힌다. 익명이 가담한 숨은 역사에 작가도 가담하며 그 사실이 작품에 큰 비중이 된다. 그런 점에서 과거 레디메이드 미학의 이성적 접근과는 다른 길 위에 있다. 또 지난 레디메이드가 반미학을 노골적으로 표방해 작품의 한시성을 표방한 반면, 낡은 기성품 고서(古書) <Natural history>의 일부 페이지를 변형시켜, 또 다시 고서의 역사 속에 작가는 자기 흔적을 남기고 고서의 변형된 역사는 계속 이어진다.

초기작 <Cat Cut>(2005)에서도 관찰되듯, 용도가 다 된 칼을 조형적으로 재활용해서 수명을 임의 연장시키는 점에선 정크아트의 전통을 따른다. 기성품에 개입해 작가의 첨언을 남기는 점은 이후 작업의 논리와 같다. 작가의 개입이 초래하는 이야기의 재구성이란 면에서. <Sweet words>(2008)의 전모는 에밀리 디킨슨 Emily Dickinson의 시집(기성품)에서 임의로 추린 문장들로 새 이야기를 편집하는 것이다.

윤가림의 작업 속 기성품은 필시 용도가 있을 텐데, 작품 속에서 그 기성품의 존재는 무력하다. 따라서 작품 속 대상은 있으되 또한 없다. 실물의 부재는 기억(경험자의 체험)에 의존하여 스토리텔링을 연신 변형시킨다. 용도는 제한되거나 혹은 변형된 사물을 이해하는 방법은 그 변형된 사물에 밀접하게 감정이입할 수 있는 제한된 소수자에 국한될 게다. 그런 점에서 윤가림의 오브제 연보는 섬세한 공감대의 소수자 연대를 강화한다.

반이정, 미술평론가